Jazz en agosto de 2024 (parte 2/3) ~ The Free Jazz Collective

August 10, 2024

Por Paul Acquaro

Es lunes por la noche en el escenario del anfiteatro de los jardines Gulbenkian, hay una ligera brisa, la temperatura es un poco más fresca que los días anteriores, es bastante agradable y relajado. Entonces, el saxofón resuena, la batería se sacude y el bajo tiembla. La banda en el escenario se llama MOVE, pero es obvio que no es un sustantivo en este contexto, no, MOVE es un imperativo: ¡MOVE!

MOVE, de Petra Cvelbar / Gulbenkian Música

El trío portugués es una potencia de energía controlada. Saxofonista tenor

Yedo Gibson

Puede que sea él quien haga los anuncios y promueva los conceptos melódicos, pero aquí no hay un líder, cada miembro está igualmente involucrado en hacer que MOVE se mueva. Baterista Juan Valinho Puede ser brutal en su ataque y también hábilmente solidario, acentuando los momentos adecuados y dejando espacio donde sea necesario. Bajista eléctrico

Felipe Zenicola Sin embargo, su aproximación al bajo es absolutamente única, de hecho, no hay ningún patrón que se nos ocurra. Parece dividir sus líneas en fractales, insertando ideas rítmicas en los lugares más sorprendentes.

Musicalmente insistentes y contundentes, también tienen una agilidad que les permite ir en direcciones inesperadas en el momento. Su música es completamente improvisada, lo que puede resultar sorprendente si se tiene en cuenta la precisión con la que pasan de una sección a otra. Una serie de escalas con una cadencia muy definida se convierte en una línea de bajo nerviosa y luego gira en un instante, transformándose en una explosión de sonido con una velocidad desgarradora y luego, con la misma rapidez, aterriza en un pasaje tranquilo. Está bien preguntarse cómo lo hacen y, de hecho, pregunté. Valinho, después del animado set, explicó que el grupo no prepara ni compone ninguna de sus canciones, pero se hacen señales entre sí mientras tocan. La señal es simplemente una indicación de que el que hace la señal va a cambiar algo, sígalo si lo desea.

MOVE tiene dos grabaciones en Clean Feed Records, sin embargo, nunca escucharás la misma pieza musical dos veces.

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Arte del metro

Uno de los atractivos de la programación del festival Jazz em Agosto es que hay tiempo de sobra para explorar la ciudad. En años anteriores, cuando me han invitado, me he asegurado de documentar mis descubrimientos turísticos. Desde las visitas obligadas, como tomar el tranvía 28 y visitar el Castelo de São Jorge, hasta viajar a las cercanas montañas de Sintra, hay mucho que hacer y ver aquí (aquí hay un enlace para encontrar estas historias). Esta vez, mis exploraciones me llevaron al monumento gigante de Jesús encaramado sobre el río, un agotador paseo en bicicleta por las montañas de Sintra hasta las formaciones rocosas de Cabo da Roca en el borde del continente, y también al museo del artista portugués Julio Pomar.

Pomar, un artista notablemente productivo durante ocho décadas, nació en 1926 y murió recién en 2018. Su relación con Portugal parecía un poco tensa, había estado encarcelado por un corto tiempo por el régimen de Salazar y abandonó Portugal en la década de 1960 para irse a París, pero su amor por las vistas y los colores de la ciudad es evidente en muchas de sus piezas. El museo, el Altelier Museu, está escondido en una calle lateral cerca del pie de la colina que conduce al barrio de Barrio Alto y está a un paso del tranvía 28 o a un corto paseo de varias estaciones de metro.

Después de caminar alrededor de la entrada de azulejos, adornada con sus bocetos de caracoles y algunos hombres pequeños con penes impresionantes, se ingresa al espacio del museo, bellamente renovado. Una gran sala abierta contiene la exposición actual que también continúa arriba hasta un área tipo loft. La muestra actual se llama “Revoluciones 1960 – 1975” y muestra cómo su trabajo evolucionó desde obras impresionistas hasta el arte pop y viceversa. Las piezas, en su mayoría pinturas, pero también algunas esculturas, son cautivadoras.

Pero ahora volvamos al programa musical…

La Selva, por Petra Cvelbar / Gulbenkian Música

El martes por la noche tocó la banda portuguesa The Selva, también del sello Clean Feed. Fue durante el festival pandémico Jazz 2020 en la Fundación Gulbenkian que The Selva llegó a mi vida, y la emoción musical que sentí cuando los escuché por primera vez se quedó conmigo. La oportunidad de escucharlos nuevamente era algo que esperaba con ansias.

Su concierto comenzó con un encuentro sonoro. Presentaban su álbum 2023
Camarón jirafa (revisado aquí) y comenzó con De Gonzalo Almeida Contrabajo acústico que presenta tonos de arco largos y fluidos, creando una capa primaria.
De Nuno Morão Los tambores se atenuaron en este punto, proporcionando algo de textura a través de los platillos y

De Ricardo Jacinto

El violonchelo emitió algunos tonos agitados. La sensación era pesada, la música zumbaba con ataques repentinos y agudos y cambios de acordes largamente esperados. Era, por así decirlo, palpable. Un salto en el registro del violonchelo se apoderó de los hombros, un roce inesperado del arco contra las cuerdas graves endureció la columna vertebral. Luego, después de que la primera ola de tensión llegara a su punto máximo, Jacinto comenzó a tocar una melodía arabesca. Lenta y controlada, la electrónica agregó fallas aleatorias a la música, notas entrecortadas y un flujo interrumpido cambiaron las estructuras musicales simples.

Más tarde, la batería tomó el pulso y llevó la música a ritmos más constantes, lo que le dio al violonchelo la oportunidad de expandir las pequeñas unidades melódicas que se habían ido construyendo cíclicamente. A continuación, siguió una sección ruidosa, en la que el grupo se adentró en su mundo sonoro cuidadosamente elaborado de técnicas extendidas y amplificación acústica sensible. Un poco más adelante en el set, los tres tocaron sus respectivos instrumentos de percusión: Jacinto sostuvo el violonchelo en su regazo y lo golpeó, y Almeida usó mazos de marimba en sus cuerdas.

Una pieza de la segunda mitad del espectáculo fue cautivadora por su belleza (una palabra que trato de evitar, pero que realmente encaja aquí). La melodía era severa, disonante hasta el punto de reventar el estómago (como pasar de repente por una colina en un automóvil mientras estás sentado en el asiento trasero), y mientras el bajo se elevaba, la batería mantenía todo firmemente sujeto al escenario. El set finalmente llegó a una resolución tan completa que era difícil imaginarlos tocando un bis, pero lo hicieron, recuperando la atmósfera cargada en poco tiempo.

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El Trío Brandon Seabrook, por Petra Cvelbar / Gulbenkian Música

El miércoles por la noche volvió el foco internacional con el trío del guitarrista Brandon Seabrook, con el baterista Gerald Cleaver y el bajista Pascal Niggenkemper sustituyendo a Cooper-Moore, una tarea nada sencilla, ya que los instrumentos caseros que Cooper-Moore construye y toca con este trío son algo primitivos, pero también devastadoramente efectivos. Sin embargo, Niggenkemper también es un astuto explorador musical, capaz tanto de emular el enfoque instrumental de Cooper-Moore como de añadir un poco de sus propios adornos, como el empleo de cubiertas ligeras que pueden cambiar el sonido de su instrumento. Con esta mentalidad aventurera, encaja perfectamente con Seabrook, que combina la impulsividad con un enfoque único de su instrumento.

Seabrook trabaja con fragmentos de música, fragmentos de sonido, notas que se desmoronan y elecciones impredecibles, dejando mucho en manos de los demás para que ayuden a darle forma. Esta noche, en el escenario al aire libre, parecía que Gerald Cleaver hizo un gran esfuerzo para fijar las direcciones rítmicas.

También hay un componente de temeridad en juego. Por ejemplo, Seabrook cogió un LP, anunció que habían sacado un álbum hacía unos años y luego lo arrojó al público sin pensarlo. Luego, hizo lo más temerario de todo: se pasó al banjo, lo que de hecho puede ser ilegal en la UE (revelación completa: me encanta el banjo, he tenido y tocado varios en mi vida, pero ahora que lo pienso, tal vez también fue durante un período un tanto temerario). De todos modos, la aproximación de Seabrook al instrumento es muy rítmica, no hay martilleo ni redobles de dedos, sino que lo toca como una guitarra, y su sonido metálico es un complemento maravilloso para el sonido del grupo. En la siguiente melodía, Seabrook subió la apuesta y aplicó un arco a las cuerdas del banjo, que de alguna manera sonaban como un acordeón.

Fue un espectáculo musicalmente salvaje. Las técnicas extendidas fueron la norma y los pulsos fuertes, casi tribales, del bajo y la batería mantuvieron la unidad, permitiendo que las diferentes formas y sonidos musicales se unieran en algunos momentos bastante extraordinarios.

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Darius Jones, por Petra Cvelbar / Gulbenkian Música

El tramo de mitad de semana llegó a su fin el jueves por la noche con la presentación del último lanzamiento del saxofonista Darius Jones,

fLuXkit Vancouver (es una suite pero sagrada)

(Nosotros Jazz / Northern Spy Records). Las piezas de la suite, encargadas mientras el saxofonista residente en Nueva York se encontraba en una residencia en la Columbia Británica, reflejan el concepto del movimiento artístico Fluxus de los años 60 y 70, que enfatizaba el proceso de creación de arte tanto como los resultados. Si bien no estoy seguro exactamente de cómo esto se reflejó en la actuación de esta noche, durante un anuncio, Jones miró hacia el cielo y, en reacción al estruendo de un avión que pasaba, comentó que “este es un momento Fluxus”.

En cualquier caso, la música era fascinante. Además de la interpretación expresiva y a menudo alegre de Jones, el cuarteto de cuerdas más el baterista Gerald Cleaver estuvo impresionante. A veces, era fácil creer que habías venido solo para escuchar las cuerdas, ya que la presentación de la música por parte de los violinistas Jesse y Josh Zubot, la violonchelista Peggy Lee y el bajista James Meger era cruda, centrada y, a veces, incluso discordante en su intensidad. En conjunto, llevaron la canción de apertura del álbum ‘Fluxus V5T 1S1’ a un punto álgido. El siguiente movimiento de la suite comenzó con los violinistas golpeando rítmicamente los cuerpos de sus instrumentos mientras Lee tocaba notas más largas con el arco y Meger hacía sonar el arco entre las cuerdas, debajo del puente. Luego, Jones comenzó a tocar más allá de los registros superiores de su instrumento. La pieza se desarrolló en capas, la melodía trepando por grandes espacios interválicos, mientras Cleaver añadía acentos percusivos en lugar de un pulso constante, a la vez propulsivo y llamativo.

La siguiente pieza, “Rainbow”, dedicada a una figura importante de la escena artística de Vancouver, comenzó con un solo lleno de texturas de Cleaver. Finalmente, se le unió una línea de bajo de ritmo lento, antes de que entraran las cuerdas, coloreando las líneas creadas por el drum and bass. A continuación, Lee tocó un solo magnífico, modesto y sonoro, seguido de un solo de bajo que terminó en un mar de aplausos.

El segmento final de la música fue presentado por Jones como basado en la historia de Damon y Pythias, que es esencialmente un relato de confianza y amistad. Comenzó como la más vanguardista de todas las piezas, y finalmente se fusionó en un ciclo melódico antes de que Jones saltara con un solo frenético y cinético. El desenlace fue un momento para saborear. Las cuerdas se habían asentado en un pasaje que fluía suavemente mientras Jones comenzaba a alejarse del micrófono, su sonido amplificado era bastante fuerte, y se transmitía fácilmente por todo el anfiteatro, tocando una melodía expresiva y tierna.

Uf.

El festival Jazz em Agosto continúa hasta el domingo por la noche. El informe final se publicará a principios de la próxima semana.